Ces dernières années, Netflix a ajouté des titres incroyables à sa bibliothèque d’anime. En plus des séries incontournables, il y a aussi une quantité substantielle d’originaux qui tiennent tête aux titres déjà bien établis dans le canon. Le service de streaming a pris soin d’introduire une variété de genres : il y a beaucoup de séries d’action, de comédie et de romance parmi lesquelles choisir.
Si vous êtes prêt à explorer les recoins les plus étranges de Netflix pour trouver des contenus dignes d’être regardés en boucle (et vous devriez l’être), nous sommes là pour vous.
Ci-dessous, les rédacteurs de Manganime ont répertorié les meilleures séries animées sur Netflix (en commençant par nos préférées) qui ne manqueront pas de retenir l’attention des petits malins expérimentés comme des novices en matière d’anime.
1. Neon Genesis : Evangelion
Aujourd’hui, la plupart des gens connaissent au moins vaguement Neon Genesis Evangelion, que ce soit en raison de l’énorme quantité de produits dérivés ou des références constantes dans les médias populaires. Mais pour une série aussi ancrée dans le canon de l’animation qu’Evangelion, la façon dont nous en parlons est en constante évolution. Initialement présentée comme une déconstruction significative des mecha popularisés par Gundam et Macross, la franchise est devenue par la suite gonflée et pleine de contenu superflu, tout comme les mélodrames en tant que produits dérivés qu’elle a critiqués des années auparavant.
Néanmoins, l’influence d’Evangelion est palpable, avec une superposition culturelle que l’on peut voir partout, de Persona 3 à Gurren Lagann, devenant un phénomène qui semble dépasser le texte littéral de la série. À l’instar de Star Wars, son créateur original, Hideaki Anno, a perdu le contrôle de la croissance de la franchise et a depuis auguré de la fin de l’anime tel que nous le connaissons, déclarant un jour que le monde de l’animation au Japon “évolue par inertie”.
2. Vinland Saga
Basé sur le manga à long terme de Makoto Yukimura, célèbre pour ses Planetes, Vinland Saga est un conte nordique raconté à travers une lentille humaniste. On y suit Thorfinn, un jeune Islandais vivant au début du XIe siècle, qui, après avoir vécu une tragédie personnelle, se lance dans une histoire de vengeance. C’est du moins ce que l’on peut penser au premier abord. Bien qu’il ressemble aux poèmes scandinaves traditionnels sur les quêtes sanglantes de vengeance, le voyage de Thorfinn est moins vaniteux et plus tragique. Ici, les guerriers ne sont pas présentés comme de valeureux héros luttant pour une place au Valhalla, mais comme des sadiques et des bouchers inoculés dans une culture de violence inutile. La plus grande astuce de cette histoire est peut-être que, même si elle ne recule jamais devant la cruauté humaine, elle n’est pas empreinte de cynisme, suggérant plutôt qu’une meilleure voie est tout simplement hors de portée.
Bien sûr, il y a quelques bizarreries dans le ton de la première saison, qui met en place une série de combats qui ressemblent moins à des réquisitoires contre les effusions de sang qu’à des duels shonen entre super-héros, mais les talents d’animation de Wit Studio sont tels qu’il est facile de pardonner certaines des manigances ampoulées et carnassières. Dès la deuxième saison, ces incohérences sont gommées et l’histoire se transforme en une condamnation en règle de l’inhumanité de cette période, en s’attardant sur les difficultés auxquelles ces personnages sont confrontés en raison de structures de croyance et de systèmes politiques cruels. Entre l’articulation puissante du voyage émotionnel de son protagoniste et sa capacité à nous immerger dans cette description difficile de l’Europe du Moyen-Âge, Vinland Saga est un traité captivant sur la violence, la vengeance et l’espoir lointain d’un monde meilleur.
3. Hunter x Hunter
Il existe d’innombrables shonens (et même des séries télévisées américaines) qui se concentrent sur un groupe de jeunes personnages utilisant des capacités surnaturelles et un raisonnement déductif pour résoudre des problèmes. Hunter x Hunter est une rareté parmi cet archétype homogène en raison de son attention aux détails et à l’investissement émotionnel. Cet anime est rempli d’intrigues secondaires fantaisistes qui ne se terminent pas toujours par un événement majeur, mais qui vous font savoir que les personnages de ce monde étaient vivants avant que vous ne commenciez à les regarder.
Hunter x Hunter commence avec Gon Freecss, qui entreprend un voyage pour devenir un Hunter. C’est le protagoniste typique de la figure du sauveur, mais heureusement il garde pour lui les mantras ennuyeux et répétitifs. Sa détermination à voir ce qu’il y a de mieux chez les gens devient une merveille de la série, et son dévouement aux autres est le moteur de l’intrigue. Il se lie d’amitié avec un jeune garçon issu d’une famille d’assassins, et leur dynamique polarisée crée un lien qui rend la série inspirante.
La relation fascinante entre ces deux garçons exige un investissement émotionnel de votre part. Togashi met l’accent sur leur jeunesse et leur inexpérience en les opposant à des méchants beaucoup plus âgés et plus expérimentés, et introduit des mentors puissants qui les aident à évoluer. Il adapte méticuleusement les capacités de ses personnages à leur personnalité, mais tous tirent leur force de leur détermination. Les exploits de pure détermination dont vous serez témoin dans cet anime vous changeront.
Togashi lutte depuis quelques années contre un problème de santé, mais il affirme que le manga est loin d’être terminé. Espérons que l’anime remastérisé bénéficiera bientôt d’une septième saison.
4. Monster
Naoki Urasawa est l’un des auteurs de mangas les plus acclamés par la critique, adulé par la communauté littéraire au Japon et à l’étranger, et l’auteur de certains des mangas les plus denses en termes d’intrigues, de personnages et d’expérimentations jamais publiés. Il est donc naturel que Monster, le cinquième manga en série d’Urasawa et l’un des plus connus en dehors du Japon, se traduise par l’une des plus grandes séries animées jamais portées à l’écran.
S’étendant sur 74 épisodes, le scénario de la série se déroule comme seul le meilleur thriller policier devrait le faire : patiemment, mais délibérément. La chute du Dr Kenzo Tenma, de chirurgien cérébral réputé à suspect de meurtre en fuite, et sa recherche frénétique de l’homme qui l’a piégé, est une saga captivante du début à la fin, qui passe d’un coin à l’autre de l’Europe dans un concours de volonté mortel. Si vous avez l’occasion de regarder cette série, sautez sur l’occasion.
5. Den-noh Coil
Si l’on considère la quantité alarmante de nouveaux anime qui sortent chaque année, certains ne gagnent jamais le public qu’ils méritent. Bien qu’il soit aimé dans certains cercles, Den-noh Coil fait partie de cette catégorie. Le premier film de Mitsuo Iso est à la fois un récit de passage à l’âge adulte et un techno-thriller, une fable d’un futur proche qui mêle avec aisance des éléments et une esthétique disparates.
L’histoire se déroule en 2026, à une époque où les lunettes de réalité augmentée sont devenues un élément essentiel de la vie quotidienne, alors qu’une jeune fille nommée Yasako s’installe à Daikoku City. C’est une ville pittoresque à la croisée de la culture japonaise traditionnelle et de la nouvelle vague de technologie de réalité augmentée, mais après s’être liée d’amitié avec certains des enfants locaux et avoir participé à des aventures numériques, elle commence à percer les secrets de ce lieu et les implications sinistres de la nouvelle infrastructure qui le sous-tend.
Parmi les nombreuses réussites de Den-noh Coil, la plus importante est sans doute la façon dont il combine les genres avec aisance, mêlant des aventures d’enfants du type The Sandlot à un mystère de science-fiction à combustion lente très convaincant. Ici, le monde léger de l’enfance bascule soudain dans le danger et les conspirations, tandis que le récit explore la manière dont les nouvelles inventions peuvent être utilisées pour le bien ou le mal.
L’auteur réussit à saisir la façon dont la culture passée et la culture présente se mélangent, en imaginant un Japon d’un futur proche où les traditions et les repères shintoïstes s’infiltrent dans le cyberespace, sa version de la réalité augmentée évoquant le folklore et les histoires de fantômes. Au-delà de son excellente construction du monde, le film transmet également le poids de ses personnages, développe magnifiquement leurs relations et présente des arguments décisifs sur l’orgueil démesuré d’entreprises technologiques irresponsables. C’est une œuvre avec une vision profondément nuancée de ce que l’avenir peut apporter, un chef-d’œuvre de science-fiction négligé qui réussit sur tous les fronts et qui n’a fait que devenir plus pertinent avec le temps.
6. Pluton
Malgré une œuvre largement célébrée, seule une poignée des mangas bien-aimés de Naoki Urasawa ont fait le saut vers le petit écran. L’une de ces rares adaptations est Pluto, une réimagination de meurtre et de mystère du célèbre Astro Boy, et les résultats sont éblouissants. L’histoire suit un détective nommé Gesicht dans l’élucidation d’une affaire qui soulève des questions sur la personnalité des androïdes et qui est liée aux cicatrices d’une guerre injustifiée.
À première vue, de nombreuses idées de cette histoire ont été interrogées ad nauseam, remontant jusqu’à l’époque où Asimov a écrit les premières lois de la robotique, mais c’est dans son exécution qu’elle diffère. Alors que la science-fiction peut souvent sembler aussi froide que les extérieurs chromés de ces machines, ce récit se concentre sur la chaleur que l’on trouve dans les circuits bourdonnants qui se trouvent en dessous.
En un demi-épisode ou moins, nous nous attachons aux épreuves et aux tribulations de sept robots dans la ligne de mire d’un tueur véreux, tandis que des flashbacks révèlent un horrible conflit gravé dans leurs mémoires numériques immuables.
Le mystère au centre de l’histoire relie intelligemment le sentiment anti-guerre et les ruminations sur la conscience artificielle, et bien qu’il y ait beaucoup de choses à suivre, le rythme propulsif de l’enquête de Gesicht permet de rester concentré. Le tout donne une œuvre de science-fiction magnifiquement construite qui, à l’instar des robots au centre de cette histoire, est pleine d’humanité.
7. Jojo’s Bizarre Adventure
Depuis quelque temps, Jojo’s Bizarre Adventure est l’anime vers lequel je me tourne lorsque j’ai besoin de me ressourcer. Il s’agit d’un anime rempli d’hommes construits comme des sculptures classiques qui se disputent aussi fort qu’ils le peuvent au sujet de batailles psychiques qu’ils mènent, apparemment au rythme de la mélasse.
Ce qui semble être des heures se résume à un peu plus d’une minute dans l’univers de JJBA. JJBA est bien plus que cela, cependant ; c’est un voyage qui s’étend sur un siècle et qui efface les règles de la narration d’une histoire d’aventure traditionnelle, s’inspirant largement d’Indiana Jones, de Versace, du rock classique et de tout autre intérêt fugace du mangaka Hirohiko Araki pour créer un méli-mélo explosif d’absurdité rapide, un langage que vous assimilerez rapidement et que vous trouverez bientôt plus agréable que celui de Sailor Moon. Ce n’est pas pour rien que JJBA continue d’être l’un des médias les plus influents du monde de l’anime. -Austin Jones
8. Mononoke
Mélangeant habilement mystère meurtrier à la Christie et horreur surnaturelle, Mononoke est un cauchemar psychédélique. Avec son style d’animation mémorable imitant le style de peinture ukiyo-e sans ombre du Japon du 17ème siècle, Mononoke se délecte d’une beauté maximale et d’une conception sonore crispée, mais il est également réussi dans ses efforts émotionnels, s’avérant être plus qu’une simple expérience de mise en scène.
Les Mononoke sont une sorte de yokai (un éventail d’êtres dans le mythe japonais allant des fantômes aux démons) qui s’attaquent aux émotions négatives des humains. Ils constituent un excellent point de départ pour un film d’horreur psychologique palpitant, n’hésitant pas à s’aventurer sur un terrain thématique exigeant.
Produite par Toei Animation, la série équilibre le grotesque et l’intensément vulnérable avec une telle harmonie, brouillant souvent les couleurs et les lignes avec un flair hallucinatoire. Pour une série sur les esprits, le cœur de Mononoke est résolument humain. Il ne manquera pas de vous hanter pendant des années.
9. Toradora !
Toradora ! est l’une des meilleures comédies romantiques animées, capable de rebondir entre l’humour, la nostalgie et le drame sans jamais perdre le fil. Nous suivons deux adolescents désastreux, Ryuuji, un lycéen de deuxième année qui est injustement craint par ses pairs en raison de son apparence intimidante, et Taiga, une petite boule de colère qui est tout aussi légitimement crainte en raison de ses prouesses martiales et de son tempérament colérique.
Après avoir découvert qu’ils ont tous deux le béguin pour la meilleure amie de l’autre, ils décident de travailler ensemble pour réaliser leurs aspirations romantiques. C’est alors que les choses se compliquent.
A première vue, la série est un plaisir, ses acteurs rebondissant les uns sur les autres d’une manière qui rend le temps passé avec eux gratifiant, plein d’éléments récurrents géniaux comme la façon dont Taiga est piquante envers tout le monde, sauf sa précieuse meilleure amie, Minorin. Cependant, ce qui distingue la série de beaucoup de ses pairs est sa capacité à éplucher les couches de ces personnes, révélant que leurs apparences extérieures ne sont guère plus que des représentations destinées à les protéger des pressions sociales du lycée et du monde en général.
Ces digressions lourdes sur l’identité deviennent de plus en plus prononcées au fur et à mesure que la série se poursuit, alimentant des dynamiques relationnelles épineuses tout en dépeignant avec succès les troubles émotionnels de ses personnages. Tout cela mène à des révélations romantiques et à un mélodrame qui monte en flèche, ce qui en fait le type d’histoire qui vous manquera cruellement lorsqu’elle sera terminée.
10. Dorohedoro
Au fil des ans, MAPPA s’est imposé comme l’un des meilleurs studios d’animation. Depuis leur création au début des années 2010, ils ont produit certaines des séries les plus somptueusement animées de mémoire récente, comme Kids on the Slope et Terror in Resonance de Shinichiro Watanabe, ainsi que les favoris cultes Kakegurui et Yuri on Ice.
Ce qui fait briller leur travail, c’est le style évocateur du mouvement qu’ils maîtrisent, donnant à chacun de leurs spectacles son propre langage visuel, sensible et corporel.
D’une manière ou d’une autre, leur style romantique fonctionne parfaitement pour Dorohedoro, qui est basé sur le manga populaire du même nom de Q Hayashida. Dorohedoro suit Caiman, un amnésique doté d’une tête de reptile qui vit dans un paysage urbain brutaliste cauchemardesque hanté par des sorciers interdimensionnels.
La série est un mélange surréaliste de high fantasy et de science-fiction grunge, se délectant d’une hyperviolence grinçante et d’un humour lourdaud. MAPPA réussit à faire en sorte que quelque chose qui pourrait facilement glisser vers le bas de gamme se sente beau et enchanteur. Malgré sa grandiloquence grotesque, Dorohedoro raconte une histoire passionnante sur la pauvreté, la communauté et l’exploitation.
11. Cyberpunk : Edgerunners
Cyberpunk : Edgerunners est un film d’horreur juvénile et sans complexe, un point culminant de la capacité de Studio Trigger à produire une imagerie emblématique qui élève les rythmes d’un genre familier grâce à des coupes d’animation brutes et hyperboliques. Même si ce film policier ne s’éloigne pas des problèmes fondamentaux de sa franchise ou du cyberpunk en général, il parvient à atteindre plus que quelques sommets émotionnels, tout en étant très beau.
Plus important encore, sa violence chaotique offre des rebondissements déchirants tout en jouant avec les destins de ses personnages étrangement sympathiques. L’authenticité des relations entre ces personnages donne un sentiment de pathos, et il est difficile de ne pas s’attacher à cette équipe en dépit de tous les meurtres qu’elle commet.
En particulier, la romance naissante entre le couple central, David et Lucy, est suffisamment étoffée pour être convaincante. Il est clair que sous les couches de fiction de genre hard-boiled, il s’agit fondamentalement d’une histoire d’amour qui utilise la même grandeur d’émotion que dans ses séquences d’action pour donner des coups de théâtre brutaux. Et franchement, chaque fois que le film fait feu de tout bois, il est difficile de détourner le regard de ses images inventives qui utilisent des proportions exagérées et des combinaisons de couleurs audacieuses pour créer un sens du spectacle de plus en plus fort.
Edgerunners transmet la tragédie de Night City avec une grandeur écrasante, le genre de chose qu’un protagoniste aux yeux sombres d’un roman cyberpunk regarderait sur un écran vacillant à 3 heures du matin. -Elijah Gonzalez
12. Demon Slayer
Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba est populaire parmi les fans d’anime américains mais carrément incontournable au Japon. Le manga figure toujours sur la liste des best-sellers des années après sa sortie, et le film a battu le record de Spirited Away en tant que film japonais ayant rapporté le plus d’argent de tous les temps – au beau milieu d’une pandémie avant même qu’il n’y ait des vaccins disponibles !
Quelle est la clé du succès de Demon Slayer ? L’histoire du jeune tueur de démons Tanjiro Kamado et de sa quête pour sauver sa sœur Nezuko, transformée en démon, n’est peut-être pas la série d’action la plus originale du Weekly Shonen Jump, mais elle reprend tous les poncifs du genre avec un style exceptionnel.
Le cadre de l’ère Taisho est bien réalisé, les personnages sont immédiatement sympathiques et l’animation du studio Ufotable est hors du commun.
13. Beastars
Beastars est le meilleur anime de l’année 2019. C’est peut-être un point de vue controversé, étant donné que cette année a été marquée par une animation somptueuse où que vous regardiez – des combats fluides, semblables à des ballets, de Demon Slayer et Mob Psycho 100 II à la tension des enjeux élevés de The Promised Neverland et Vinland Saga, c’était peut-être mon année récente préférée pour l’anime.
Pourtant, malgré les œuvres de Kunihiko Ikuhara et de Shinichiro Watanabe, deux de mes réalisateurs préférés (qui ont réalisé respectivement quelques-unes de leurs meilleures œuvres), c’est le mélodrame étrangement évocateur d’un loup, d’un lapin et d’un cerf qui m’a le plus captivé.
S’il y a une force contraignante dans le monde de Beastars, c’est le déséquilibre des pouvoirs entre les carnivores et les herbivores. L’histoire s’ouvre sur le meurtre atroce d’un étudiant alpaga nommé Tem.
On peut se demander s’il existait déjà un schisme palpable entre les étudiants avant cet événement, mais il ne fait aucun doute qu’il plonge toutes les espèces dans la paranoïa. Legoshi, un loup, est membre du club de théâtre qui est devenu célèbre pour son esprit de collaboration et ses membres positifs, allant de minuscules écureuils à de gigantesques tigres.
Le club de théâtre est la mise en scène parfaite pour la plupart des thèmes de la pièce : non seulement nous voyons les luttes des herbivores, éternellement sous-estimés et vivant dans la peur constante de la dévastation, mais nous voyons aussi les préjugés et les stéréotypes utilisés contre les carnivores qui, pour la plupart, sont incroyablement dociles et pacifiques.
14. One-Punch Man
Même selon les normes ridicules du genre super-héros, la folie de One-Punch Man est une ligue à part. Lorsqu’un jeune diplômé de 25 ans sauve un garçon aux joues roses et au menton fessier des griffes meurtrières d’un homme homard-monstre (vous voyez ce que je veux dire ?), il abandonne sa recherche d’un emploi salarié et se consacre à un entraînement rigoureux de trois ans dans l’intention de devenir un héros.
Naturellement, ses cheveux tombent. Doté d’un physique à la Jim Lee et d’un visage qui aurait sa place dans une bande dessinée de Charles Schultz, Saitama est le héros le plus fort du monde, doté du pouvoir impressionnant de vaincre ses ennemis d’un seul coup de poing.
Le principal attrait de One-Punch Man, outre son animation exemplaire et ses scènes de combat réalisées par Madhouse, est l’engagement de la série à être une série de super-héros filtrée par l’imagination débordante d’un enfant, une comédie de l’escalade en série grotesque, où chaque adversaire d’un autre monde qui se lève est rapidement réduit en viscères par la force de l’indifférence herculéenne de Saitama.
15. Carole & Tuesday
Réalisé par Shinichiro Watanabe de Cowboy Bebop, Carole & Tuesday se déroule implicitement dans le même univers que Bebop. Bien que partageant le cadre martien d’Alba City et le goût exceptionnel de Watanabe pour la musique, Carole & Tuesday est une série très différente de son prédécesseur à l’action teintée de noir.
L’histoire de Carole & Tuesday, qui raconte comment une réfugiée et une fugueuse s’associent pour faire de la musique ensemble, est si douce et si saine qu’elle pourrait être diffusée sur Disney Channel – si Disney Channel autorisait des chansons composées uniquement de bombes F et d’attaques pas du tout subtiles sur la façon dont les États-Unis traitent les immigrés.
Oui, une série dont le premier arc scénaristique majeur est essentiellement “Martian Idol” finit par se transformer en l’une des réponses artistiques les plus puissantes aux horreurs de l’administration Trump. Elle a de l’envergure.
16. La vie désastreuse de Saiki K
Cette série est le deuxième chapitre d’une comédie sur un adolescent né avec des pouvoirs psychiques. Vous pourriez penser qu’il utilise ces pouvoirs pour rendre sa vie glamour, ou qu’il adhère à un pacte bien-pensant pour devenir un justicier masqué, mais non.
Il veut juste rentrer chez lui sans entendre les spoilers de ses émissions préférées dans l’esprit de ses pairs. Les pouvoirs psychiques viennent avec leur lot de petits désagréments, et Kusuo s’efforce de les gérer tout en gardant ses pouvoirs secrets pour ses camarades de classe, qui semblent tous avoir un problème.
La deuxième série reprend les scénarios loufoques que nous avions aimés dans la première série, et pousse le bouchon encore plus loin avec ses six épisodes. The Disastrous Life of Saiki K. : Reawakened est une série originale de Netflix, les scénaristes ont donc veillé à adapter l’animation à un public plus large.
Les créateurs ont maintenu un équilibre exceptionnel entre la nature hyperbolique de la comédie dans les anime japonais et le style plus sec et sarcastique qui prévaut dans les sitcoms traditionnels (typiquement américains). Le téléspectateur typique de Netflix n’aura aucun mal à rire.
17. Devilman Crybaby
Go Nagai est un homme dont la réputation n’est plus à faire. En plus d’être l’un des pères du sous-genre des mecha “Super Robo” avec sa création Mazinger Z, il est également connu pour avoir créé des œuvres qui ont bousculé les tabous et incité l’industrie de l’anime à délaisser les film
s pour enfants au profit de sujets plus sombres et à connotation sexuelle plus prononcée. En voici un exemple : Devilman. La reprise contemporaine par Masaaki Yuasa de l’histoire d’amour entre Akira Fudo et Ryo Asuka est aussi violente et osée que le manga original de Nagai, un hommage approprié à la fois à l’œuvre du créateur et à l’héritage historique du personnage. L’influence de Devilman est perceptible partout, de la beauté luciférienne de Griffith de Berserk à la solitude apocalyptique de Neon Genesis Evangelion.
Pour toutes ces raisons et bien d’autres encore, Devilman Crybaby se positionne non seulement comme l’une des meilleures séries de mémoire récente, mais aussi comme l’une de celles qui résisteront à l’épreuve du temps dans les années à venir.
18. My happy marriage
Les riffs sur Cendrillon sont un territoire bien connu, mais My Happy Marriage insuffle de la vie à cette prémisse grâce à une excellente exécution, transmettant le voyage intérieur de son protagoniste grâce à une animation magnifique.
Miyo est prisonnière d’un foyer qui la maltraite émotionnellement jusqu’à ce qu’elle soit envoyée dans un mariage arrangé avec Kiyoka Kudou, un jeune homme à la tête d’une famille puissante mais dont la réputation laisse à désirer en raison de son comportement extérieur glacial. Mais en apprenant à mieux le connaître, Miyo se rend compte que les évaluations de son fiancé étaient erronées, et elle commence à se construire une vie qu’elle pensait ne jamais pouvoir avoir.
Bien que vous ayez déjà vu cette configuration et ses méchantes familles recomposées, cette interprétation se distingue par sa capacité à extérioriser la vie intérieure de sa protagoniste, communiquant gracieusement comment sa douleur persistante commence à se dissiper lorsqu’elle est enfin traitée comme une personne à part entière. Même si les effets du futur mari de Miyo, gentil mais quelque peu maladroit, sont immédiatement perceptibles, sa quête de l’acceptation de soi est difficile, ce qui illustre avec nuance la difficulté de surmonter un traumatisme.
Bien que cette profondeur ne se retrouve pas dans les personnages secondaires, qui sont souvent simplistes ou caricaturalement antipathiques, leur comportement reste pertinent car il est lié à des critiques implicites des structures familiales oppressives qui dominent ce décor de l’ère Meiji teinté de fantaisie. Le tout culmine dans un final émouvant qui dépeint avec soin la quête d’appartenance de son protagoniste.
19. Naruto
Les combats de ce shonen sont superbes. Entre l’énorme système de magie et les combats au corps à corps complexes et bien animés, cet anime ne manquera pas de retenir votre attention. Les flashbacks et les monologues excessifs sont particulièrement dissuasifs dans cette série, mais ils n’ont pas empêché ce titre de créer sa propre iconographie unique dans la culture populaire.
Naruto est la romance angoissée du lycée qui enseigne à tous les adolescents que les bonnes personnes deviennent mauvaises et que les relations se dissolvent. Masashi Kishimoto nous présente une communauté de ninjas qui vivent et meurent pour protéger leur communauté, avant de briser leur famille bien trop tôt.
L’histoire se concentre principalement sur Naruto qui perd Sasuke et le poursuit inlassablement pour le ramener à la maison, mais les auteurs mettent tout autant l’accent sur la communauté que Naruto avait déjà au Village de la Feuille Cachée. L’unité dont fait preuve le village de la feuille cachée face à la guerre et à la terreur fait partie intégrante du cadre émotionnel de cette méta-série qui traite de l’amitié inconditionnelle, de la vengeance et du pardon qui est le seul moyen de parvenir à la paix.
En tant que prédécesseur de Naruto : Shippuden, cet anime pose les bases d’un réseau d’espions, de conspirations et d’intrigues secondaires (secrètement) connectées qui portent leurs fruits dans la deuxième série. Il faut juste se méfier du remplissage.
20. Komi Can’t Communicate
Komi Can’t Communicate propose toujours de nouveaux épisodes sur Netflix, et avec 23 volumes et plus du manga source de Tomohito Oda publiés au Japon, on peut supposer que cette comédie lycéenne aura droit à de nombreuses saisons supplémentaires.
Le principe de base de la série est que Komi, la fille la plus belle et la plus intimidante de sa classe, souffre secrètement d’une grave anxiété sociale au point qu’elle peut à peine parler à quelqu’un. Lorsque Tadano, un garçon tout à fait “moyen”, découvre son secret, il s’efforce de l’aider à se faire des amis.
Tadano mis à part, tous les camarades de classe de Komi sont divertissants et excentriques à leur manière (j’attends toujours l’histoire du ninja), et la distribution comprend de nombreux personnages queer et/ou neurodivergents sympathiques. Si vous aimez les comédies comme Azumanga Daioh et Nichijou, Komi Can’t Communicate devrait vous plaire.
21. Little Witch Academia
C’est le moment idéal pour revoir l’œuvre la plus sous-estimée de Trigger à ce jour. Little Witch Academia est l’œuvre de Yoh Yoshinari, un animateur prolifique dont le travail peut être vu dans FLCL et Gurren Lagann.
La série elle-même est un spin-off de deux courts métrages d’animation, l’intrigue fait écho à la série de livres bien-aimée The Worst Witch à bien des égards – elle concerne une jeune fille, Atsuko Kagari, qui aspire à devenir une sorcière de classe mondiale pour rivaliser avec son héroïne personnelle Shiny Chariot. Bien qu’elle vienne d’un milieu non magique, elle se débrouille pour entrer à l’Académie magique Luna Nova, dont Chariot est un ancien élève.
Avec une animation pastel magistrale et beaucoup de cœur, Little Witch Academia est une aventure joyeuse du début à la fin et un must absolu pour tout fan d’animation. Le ton reste assez léger dans sa première moitié, avec des épisodes parodiant le fandom Twilight et des comédies burlesques clairement influencées par les Looney Tunes de l’époque de Chuck Jones, puis augmente progressivement l’intrigue dans la seconde moitié de la série.
La série est particulièrement brillante lorsqu’elle revient sur la signification de la magie à une époque de plus en plus moderne – à la fois forme de divertissement et d’utilité, elle est peu à peu abandonnée au profit de solutions technologiques et automatisées. Si vous avez déjà été fan de Ghibli, de Dr. Seuss ou de Harry Potter, vous trouverez quelque chose à aimer dans le monde complexe de Little Witch Academia, une série merveilleuse pour les enfants comme pour les adultes.
22. Aggretsuko
Pour de nombreux téléspectateurs, rien ne dit mieux “anime” que de petits animaux adorables aux grands yeux. Et Rareko, le réalisateur qui a dirigé une série de courts métrages d’animation japonais appelés Aggretsuko depuis 2016 et lancé un remake occidental en tant que “série originale” Netflix, en savait manifestement assez pour renverser cette hypothèse.
Retsuko, un panda roux anthropomorphe de 25 ans qui travaille comme comptable aux yeux morts dans une société de trading, est la star de cette comédie musicale sur le lieu de travail, qui met tranquillement en valeur le pouvoir vertueux de la colère d’une femme.
Pas si discrètement, en fait, puisque les numéros musicaux proviennent des séances nocturnes de défoulement de Retsuko dans son bar karaoké local, où elle hurle sa frustration en chantant et en criant du death metal. Cette série fait vraiment quelque chose de nouveau et offre une narration satisfaisante, axée sur les personnages.
23. Magi : The Labyrinth of Magic
Magi : The Labyrinth of Magic est une histoire passionnante axée sur les idées de richesse, d’amitié et de valeur d’une vie humaine. L’histoire se déroule dans un vaste pays de déserts, de donjons et de trésors cachés, qui attendent d’être explorés.
Alibabba est le jeune leader idéaliste qui rencontre Aladin, le jeune type extrêmement puissant. Ils s’opposent à l’homme d’affaires qui les a réduits en esclavage, puis sauvent Morgiana de son propre esclavagiste sadique qui l’utilisait comme garde du corps.
Ses jambes d’une force inhumaine font d’elle le muscle de l’équipe, équilibrant la dynamique du groupe. Bien que l’esthétique de la série conserve une touche d’anime classique, les scènes de combat (en particulier celles d’Alibabba) sont parfois lentes. Quoi qu’il en soit, la série est bien faite et mérite vraiment d’être regardée.
24. Baki
Baki est une vitrine palpitante de légendes hyper-masculines mettant en scène l’archétype d’un jeune combattant s’entraînant pour surpasser son père. Ce shonen à l’action intense est plein d’affrontements tendus entre les gars les plus costauds qui puissent être dessinés. Sérieusement, si Netflix publiait une courte vidéo de toutes les prises de vue des gars en train de fléchir et de contracter leurs muscles, cela pourrait constituer un épisode à part entière.
Si les muscles et les voix hyper résistantes ne suffisaient pas, les sourires complices et les ricanements permettent à ces personnages d’incarner l’esprit de l’outil à tête de viande qui anime la série. Baki affirme les idées typiques de la force, mais remet en question sa pertinence par rapport à la miséricorde et à la liberté.
25. Inuyasha
Pour moi, Inuyasha est un marqueur de temps plus simples, quand tout ce dont un anime avait besoin était des batailles amusantes, des dialogues hilarants, et ce style mélodramatique des années 90.
C’était la Tueuse de Démons que nous avions avant de nous aimer nous-mêmes, la série que nous restions debout bien après le couvre-feu pour la regarder en boucle sur Adult Swim (souvent dans un ordre non séquentiel, mais cela n’a pas beaucoup d’importance avec les longs arcs d’Inuyasha et les tonnes de filler).
La série tient étonnamment bien la route et constitue un excellent moyen de regarder la série en groupe, pratiquement un foyer de jeux à boire : Prenez un verre à chaque fois que Kagome et Inuyasha se crient leurs noms, prenez un verre à chaque fois qu’une belle femme se révèle être un démon grotesque ressemblant à un insecte, prenez un verre à chaque fois qu’Inuyasha ne comprend pas du tout comment se comporter comme un humain respectueux.
Avec près de 200 épisodes et 4 longs métrages, c’est une série qui vous occupera et qui est facile à suivre.
